Los tambores están presentes en Uruguay desde hace más de 200
años; han cambiado su forma, y quizás su modo de ejecución, sus nombres,
y sonido, pero no su esencia.
Antes, se denominaban Macú, Bombo y Congo y los
acompañaban una verdadera orquesta del Candombe con Mazacalla, Marimba,
Mate o Porongo, Huesera, Caña Tacuara, Palillos, trozos de hierro.
Hoy los nombres de Chico, Repique, Piano y Bombo
designan a los tambores de esa tradición heredada de África de LLAMAR,
de transmitir sentimientos y emociones. ¡Y cuánto han comunicado y
tienen aún por hacer a través de su ritmo!
Templando tambores clavados - cuerda La Roma
Foto: Lalo Baráibar
Según Ferreira, el tambor actual es “un único
tipo de tambor en tres tamaños denominados piano, repique y chico, en
orden de mayor a menor tamaño y correspondiente sonoridad del grave al
agudo. Es un tambor abarrilado unimembranófono liviano, abierto en el
extremo opuesto al parche; es de fabricación artesanal a partir de
duelas de madera.”(1)
Tambor Repique con sistema de tensores
Foto: Lalo Baráibar
Los Tambores del Candombe han mantenido intacta
la magia, son la voz a través de la cual hablan nuestros abuelos negros.
De los troncos ahuecados, de las barricas de yerba a estos tambores de
hoy han pasado mucho tiempo y generaciones, muchas de las cuales no
veían con agrado aquella expresión “de los negros”. Sin embargo, el
tambor –con orgullo pero sin soberbia–, expresa que ha triunfado y es un
embajador inigualable en el mundo, donde nos representa con dignidad y
sin rencor.
El ukelele es un instrumento musical de cuerda, de la familia de la guitarra, originario de Hawái.
Los emigrantes portugueses que llegaron a Hawái en el último cuarto
del siglo XIX llevaban con ellos los instrumentos de sus tierras:
guitarras, rajãos y machetes (o cavaquiños).
Pocos años después, de los talleres de los ebanistas/lutieres
portugueses instalados en Honolulu, sale un instrumento híbrido, con las
dimensiones del machete y una afinación reentrante inspirada en la del
rajão (sin quinta cuerda). Es el ukelele, una pequeña guitarrita de
cuatro cuerdas.
A partir de 1915 el ukelele se populariza en Estados Unidos gracias a
su presencia en el pabellón Hawaiano de la Exposición Universal de San
Francisco. Su popularidad, propagada con los años a nivel mundial, no
decae hasta finales de la década de los sesenta.
Ya en los noventa, el ukelele vuelve a la escena recuperado por una
nueva generación de músicos, entre ellos, Israel Kamakawiwo’ole:
El ukelele se construye en diversos tamaños que resultan en distintos timbres. Los principales son (de menor a mayor tamaño) soprano, concierto, tenor y barítono.
Por lo general el ukelele tiene cuatro cuerdas, perto también existen modelos de seis y ocho cuerdas (en ambos casos, agrupadas en cuatro órdenes). Y además de las tallas comunes, podemos encontrar híbridos como el longneck (con caja de soprano y mango de tenor) o curiosidades como el ukelele bajo.
Para más información, consulta nuestro artículo sobre tallas de ukelele.
Afinación
En la afinación característica del ukelele, la cuarta cuerda es más aguda que la tercera.
Afinación en do reentrante (estándar, gCEA)
La afinación relativa es similar a la de la guitarra. Si
tomamos la forma de un acorde de guitarra y descartamos las dos cuerdas
graves, tendremos la forma de un acorde de ukelele (en otro tono, pero eso es otra historia).
Hay muchas otras posibilidades de afinación: en Re, con cuarta grave, etc. Para saber más: Afinación del ukelele.
La
armónica fue inventada en China en 3000 a. C. aproximadamente. La
emperatriz Nyn-Kwa poseía un instrumento de lengüeta conocido como sheng
(que significa «voz sublime»).
En 1821, un relojero alemán de 16 años llamado Christian Friedrich
Ludwig Buschmann inventó una especie de armónica de boca, al unir quince
lengüetas de tubo (usadas para la afinación de los órganos). Dio a este
instrumento el nombre de Mund-eoline («arpa de boca»).
La idea fue inmediatamente recogida por otro relojero alemán, su tocayo Christian Messner.
En 1822, Christian Buschmann le agregó a su armónica un fuelle de cuero
vertical, para tener las manos libres para su trabajo. Un constructor de
instrumentos musicales, el vienés Cyrillus Demian (1772-1847), le robó
esta idea primitiva, la desarrolló y en 1829 construyó el primer
acordeón. Buschmann perfeccionó su armónica como instrumento musical en
el año 1827.
En 1830, un inventor de Bohemia, Richter, inventó el instrumento tal
como se lo conoce en la actualidad: diez agujeros, veinte lengüetas,
alternancia de soplido y aspiración. Su escala diatónica se volvió
famosa como «afinación de Richter».
Treinta años más tarde, después de varios rodeos, la «armónica de boca
vienesa» llegó otra vez a Alemania y el relojero de 24 años Matthias
Hohner compró una de las creaciones de Buschmann y la copió
comercialmente en su taller desde el año 1857. Su pueblo, Trossingen, se
volvió el centro mundial de producción de armónicas. En los tiempos de
la Alemania nazi, sus hijos abrieron el Colegio de Música del Estado
(1935), que ha producido más de 3.000 maestros de armónica.
Hohner Marine Band (clásica) actual
En el año 1896 Hohner fabricó por primera vez la armónica diatónica
de 10 celdas modelo Marine Band, la que prácticamente hasta hoy en día
(en su modelo clásico) no se ha modificado. En el año 1996 se fabricó
una partida limitada de la Marine Band (con cubiertas metálicas doradas)
con motivo del 100 aniversario del modelo. Ha sido en el siglo XX y es
hoy en día una de las armónicas diatónicas de 10 celdas más vendidas en
el mundo.
Conjunto de armónicas.La guerra civil estadounidense aumentó la
popularidad de la armónica. Hohner ya había enviado varias a sus
parientes en EE. UU., y los soldados las encontraban fáciles de llevar y
de tocar.
Hacia 1900, la mitad de las armónicas hechas en Alemania se vendían en
EE. UU. La armónica más utilizada por los intérpretes de blues clásicos,
la Marine Band, apareció en 1896 y se podía adquirir por sólo cincuenta
centavos. No se sabe cómo se comenzó a usar en cárceles y en
plantaciones de algodón. Utilizando la capacidad del instrumento para
sonar como un tren, le dio su lugar en obras como Pan-American Blues (de
Ford Bailey) o Railroad Blues (de Freeman Stowers). En 1950 don Joaquim Fusté Alcalá comenzó a construir armónicas en
España. Pocos años después consiguió con el conjunto Les Akord’s el
título de campeón mundial entre los armonicistas en Winterthur, Suiza
(1955), Luxemburgo (1957) y en Pavía, Italia (1960).
Aerófono, Lengüeta Libre sistemas mecanicos Alemania, Europa
La Melódica
es un instrumento de viento de lengüetas libres, similar al acordeón o
la armónica. Este instrumento presenta un teclado en la parte superior
que produce sonido
sólo al soplar a través de una boquilla ubicada en un extremo del
instrumento. Al presionar una tecla se abre un agujero, permitiendo que
el aire fluya a través de una caña. Usualmente su teclado es de dos o
tres octavas. Las melódicas son portátiles. Han sido muy populares en la
educación de música, sobre todo en Asia.
Fue inventado por Höhner en la década de 1950 o de 1960,
empresa que patentó y popularizó su nombre. Pese a que otras marcas
produjeron el mismo instrumento bajo otros nombres comerciales, como melodión, pianica, melodihorn, orgamonica, mouth organ, pianohorn, piany, melodyhorn, piano de soplar, diamonica o clavietta entre otros, fue la palabra melódica la que permaneció como nombre genérico para esta clase de instrumento.
Las melódicas pueden clasificarse principalmente por la gama del instrumento. Tienen variadas formas y pueden clasificarse en:
Las melódicas soprano
suenan con una tonada más elevada y fina que las tenores. Algunas están
diseñados para ser tocadas con ambas manos simultaneamente; la mano
izquierda toca las teclas negras, y la derecha las blancas. Otras se
tocan como la melódica tenor.
Las melódicas tenores
son un tipo de melódica con una tonada más baja. La mano izquierda
sostiene el asa del lado inferior, y la mano derecha toca el teclado.
Las melódicas tenores pueden ser tocadas con dos manos insertando un
tubo flexible en la boquilla y colocando la melódica sobre una
superficie plana.
También existen las melódicas contrabajo (de tonada más baja que las tenores), aunque son menos comunes que las otras.
La accordina usa el mismo mecanismo, pero con botones parecidos a un acordeón en vez de teclas.
La MyLodica utiliza un mecanismo similar, aunque esta construida de madera.
Los
fabricantes de melódicas más conocidos son Sound Electra, Ángel,
Höhner, Suzuki, Yamaha y Samick. También es conocida por otros varios
nombres tales como melodion (Suzuki), melodia (Diana), pianica (Yamaha),
mylodica (Sound Electra), "melodihorn", o clavietta.
Ancestral instrumento utilizado por los aborígenes de Australia, este
aerófono es básicamente es un tubo de madera, el cual se hace sonar al
hacer vibrar
los labios en el interior de la embocadura. Se supone que tiene unos
2.000 años de
existencia,
de acuerdo con la datación de algunas pinturas rupestres en las que
aparece el instrumento, aunque los propios aborígenes le dan una
antigüedad de hasta 40.000 años.
El término Didgeridoono es de procedencia aborigen; es el que le dieron los europeos en sus
primeras visitas a la isla. Hay decenas de dialectos aborígenes se
tiene una palabra distinta para designar a este instrumento, como por
ejemplo Didjeridoo, Didjeridu, Diyiridú, Djalupu, Bambú, Bombo,
Eboro, Garnbak, Ginjungarg, Illpirra, Jiragi, Kambu, Mago, Maluk,
Martba, Papuu, Yidaki,
etc...
El didjeridu está estrechamente ligado a la existencia espiritual
de los aborígenes. Su principal función es la de acompañar un baile y a
un cantante, sirviendo como instrumento de acompañamiento, así como
marcando el tiempo para el ritmo de las canciones.
El árbol del que normalmente se construye un yidaki, es el “Stringy bark” (eucaliptus tetradonta) o "Gadayka" (en lengua Yolngu del noreste de Tierra de Arnhem),
agujereado naturalmente por las termitas, que se comen la parte central
del tronco. Otros árboles que también se utilizan en el noreste de
Tierra de Arnhem para construir yidaki son el “Woolybut” y “Bloodwoods”.
Otros tipos de bloodwoods y diferentes tipos de madera se utilizan en
otras regiones de Australia, incluso en las que el didjeridu no es
tradicional. Los didjeridus pueden ser cortados a lo largo de todo el
año. (Durante la época húmeda, la madera estará más blanda y mojada, y
durante la estación seca más dura y compacta). Existen muchos tipos ,
así como procesos rítmicos, según los clanes. En el Noreste de Tierra de
Arnhem, los yidaki tienden a ser más largos y gruesos por lo que la
nota será más grave, cuanto más al oeste nos vayamos, más cortos y más
agudos serán los yidaki. En el oeste, el yidaki se
conoce como "Mago".
El yidaki tiene su propio lenguaje, en el que la
lengua cumple el papel más importante a la hora de transformar el aire
en sonidos. Juega un papel muy importante en las ceremonias de los
hombres, pero también es usado como instrumento popular para el
divertimento de niños y mujeres. Las canciones pueden dividirse entre
formales e informales.
Las connotaciones arcaicas y el sonido característico del didgeridoo lo
convierten en un instrumento óptimo para la musicoterapia,
tanto para el que toca (que puede utilizarlo como instrumento para
guiar sus meditaciones, al tener que observar constantemente el sistema
respiratorio), como para el que escucha, y pueden inducir a estados de
relajación profunda. La respiración circular es la clave en el Didjeridoo. Los aborigenes aprenden a tocarlo sin apenas ser conscientes.
Hoy dia esta maravilla de instrumento esta viviendo una gran
expansión. Es utilizado su forma tradicional, en formatos de musica
ethnica o de raiz fusionada o en musica electronica, entre otros.
En
una de las crónicas escritas por los españoles llegados al sur de
Ecuador cita lo siguiente: “Su música es hermosa y descriptiva. Imita el
cantar de los pájaros, el sonido del agua y peces, el rugido de los
animales salvajes, armonizando las palabras con el sonido. Usan los
huesos y los plumajes de las aves para elaborar sus flautas y pitos,
conchas de mar y caracoles para saludar la mañana y traer cerca los
distantes sonidos y con los cueros secos de los animales elaboran sus
tambores". Estudiosos identificaron hasta 300 instrumentos usados y
elaborados en las zonas andinas de Ecuador. Existen por ejemplo como 70
variaciones de antaras (flauta de pan), más de 30 variedades de 'quenas'
y hasta 12 variedades de'charangos‘.
Música andina es un
término que se aplica a una gama muy vasta de géneros musicales
originados en los Andes sudamericanos, aproximadamente en el área
dominada por los incas previa al contacto europeo.
Su
procedencia, la sempiterna región Andina situada en la parte
centro-occidental de América del Sur conformada por zonas específicas
del Ecuador, Perú y Bolivia, y en menor proporción Colombia, Argentina y
Chile. En otros términos, son nativos de las milenarias civilizaciones
Aymaras y del denominado imperio incaico Qhishwa.
Instrumentos Andinos de Viento
Las zampoñas
son
flautas andinas fabricadas con caña de carrizo y cuyas notas se
distribuyen en dos hileras de tubos. El numero de caños en cada atado
puede ser variable, aunque lo habitual es de 7 en el mas largo (llamado
Arka) y 6 en el menor (llamado Ira). Por este motivo, tradicionalmente,
los sikus se presta a ser tocados por parejas de músicos o sikuris, que
alternan notas originando las distintas melodias. En la música
folklorica popular son habituales las bandas de sikuris numerosas en
músicos. La familia de los sikus es muy extensa y viene marcada
principalmente por el tamaño del instrumento. De esta manera partimos
del menor que recibe el nombre de Chuli, seguido de las Maltas (Zampoña
tipo) y por último las Zankas y los Toyos que siendo los mayores dotan
de sonidos mas graves a la orquesta de sikuris.
Flauta andina
consistente en una hilera de caños de carrizo abiertos en uno de sus
extremos, dispuestos en orden decreciente y afinados en escala
pentatónica (por lo general en "la" o en "mi"). Su limitación en
registros unida a la sencillez del instrumento lo dotan de sonidos
puramente incaicos de honda raíz ancestral y gran belleza. El número de
tubos es variable, generalmente con un mínimo de siete y pocos casos
mayor de veinte. Su origen, presumiblemente peruano, data de la época
precolombina. A diferencia de los sikus y por portar todas sus notas en
una sola hilera, se ejecuta por un solo músico. Podemos encontrar en
Bolivia un instrumento muy similar, el "suri sikuri", que a diferencia
de su hermano, incorpora la escala diatónica al igual que los sikus. El rondador
(Ecuador) es una flauta de tubos de origen incierto, aunque por las
características de su afinación, podemos arriesgarnos a decir que es
posterior a la llegada de Colón, ya que los incas no conocían la escala
cromática ni los intervalos de tercera que es una de las características
de esta flauta.
Su afinación, que es lo mas particular de este
instrumento, comienza con dos o tres notas que suelen ser el Sol y el La
seguidas de una escala pentatónica Do, Re, Fa, Sol y La pero después de
cada nota de esta escala va intercalada una tercera menor. Esta
peculiaridad hace que tocando dos tubos a la vez produzca un sonido
peculiar, que imita al canto de los pájaros.
El número de caños es variable, oscilando por los general entre 20 a 32.
Quena
Andina
(Bolivia, Perú, Chile...)Junto con la zampoña, es la flauta andina por
excelencia remontándose su existencia a la época precolombina. En sus
orígenes era un instrumento pentatónico, ligado con rituales y
ceremonias religiosas y se fabricaba en hueso. En la actualidad, ha
evolucionado notablemente. Se fabrica en caña o en madera y esta dotada
de escala cromática con una amplitud de tres escalas, que la posibilitan
para salir airosa ante cualquier tipo de partitura. Su timbre encierra
matices ricos en colorido que facilitan el sentimiento interpretativo
del quenista. Este hecho se hace latente en las quenas fabricadas en
caña, que por su vibración, en ocasiones, parecen llorar.
Antara Andina (Origen Peruano)
Flauta
andina consistente en una hilera de caños de carrizo abiertos en uno
de sus extremos, dispuestos en orden decreciente y afinados en escala
pentatónica (por lo general en "la" o en "mi"). Su limitación en
registros unida a la sencillez del instrumento lo dotan de sonidos
puramente incaicos de honda raíz ancestral y gran belleza. El número de
tubos es variable, generalmente con un mínimo de siete y pocos casos
mayor de veinte. Su origen, presumiblemente peruano, data de la época
precolombina. A diferencia de los sikus y por portar todas sus notas en
una sola hilera, se ejecuta por un solo músico. Podemos encontrar en
Bolivia un instrumento muy similar, el "suri sikuri", que a diferencia
de su hermano, incorpora la escala diatónica al igual que los sikus.
Tarka-Bolivia
Instrumento
de viento boliviano con boquilla y canal de soplo, su longitud va desde
los 30 centímetros hasta los casi 60.Por lo general su forma
ortoédrica, suele ornamentarse con un buen número de tallados y pinturas
ricas en colorido. Las de menor tamaño reciben el nombre de
Anatas.Tiene 6 orificios en la parte frontal.
Es el instrumento
propio del carnaval siendo uno de los mas utilizados en estas fiestas
por su sonido voluminoso ( por la forma de tocarlo que nunca es “piano”)
y alegre.Las tarkas se tocan en grupos de ellas de distinta afinación
con intervalos de cuartas, quintas y octavas lo que hace que tengan ese
sonido tan característico.
Las afinaciones mas abundantes son las de La, Do y Mi bemol.
Moceño-Andina (Bolivia, Perú)
Flauta
andina de tamaño considerable construida en caña (carrizo). Dotada de 5
orifios en su cara anterior, emite sonidos graves al tiempo que
dulces.Debido a su longitud, se sopla a través de una caña adosada en
paralelo que hace que el aire llegue hasta la boquilla del instrumento.
Los ejemplares de menor tamaño, aunque con dificultad, pueden ser
soplados directamente en su embocadura. Son estos los que reciben el
nombre de "Senka Tankana" que en quitchua significa nariz grande o nariz
creciente. Habitualmente sus temas emplean escalas pentatónicas,
aunque tambien hay ejemplares dotados de orificio posterior para
enriquecer su escala.
Uruguay es el único país de América que no ha
conservado vestigios de música indígena existiendo sobre ella un gran
desconocimiento, debido entre otras causas al carácter indomable de los
charrúas, la dominación cultural de la conquista a través de las
Misiones y el externimio de la raza en 1831.
Las únicas referencias que
existen sobre sus instrumentos y la función social de la misma se
encuentran en crónicas y diarios de viajeros que entre los siglos XVI y
XIX llegaron a las costas del Río de la Plata. Tal es el caso de Martín
del Barco Centenera, Félix de Azara y Ortiz de Zárate, quienes mencionan
en sus escritos, instrumentos musicales como "trompas, bozinas y
atambores". Por otra parte, en 1833 el francés Dumontier describe con
detalle el arco musical que ejecutó el indio Tacuabé en París, donde fue
trasladado prisionero junto a otros tres de su raza para ser exhibidos
como "rarezas" en la Exposición Internacional de París, después de la
matanza de Salsipuedes. Este arco musical o violín monocorde estaba
construído con una rama de árbol a la que se le habían practicado
hendiduras en sus extremos donde se sujetaban un manojo de crines
tensas que se frotaban o percutían con otra rama más corta. Uno de los
extremos de la rama era colocado en la boca del ejecutante para servir
de caja de resonancia.
IDIÓFONOS
: El sonido es producido por el propio material del instrumento gracias
a su solidez y elasticidad, sin necesidad de recurrir a la tensión de
membranas o de cuerdas. · MEMBRANÓFONOS : El sonido es producido por membranas muy tensadas. CORDÓFONOS : una o varias cuerdas son tensadas entre dos puntos fijos. AERÓFONOS : El elemento vibratorio primario es el propio aire.
Las
clasificaciones se llevan a cabo siguiendo un cierto número de
criterios, entre los cuales -salvo en el caso de los Cordófonos- , uno
de los más importantes es el modo en que se ejecuta el ataque (acción de
golpear directa o indirectamente, raspado, sacudidas, frotación, acción
de machacar, etc AERÓFONOS
QUENA:
Aerófono de origen quechua y/o aymara, fabricado habitualmente de
algunas de las diversas variedades de bambú americano), aún cuando
también se ha usado arcilla, hueso, madera y metal. El timbre
característico y sugerente de la quena es producto fundamentalmente de
su particular estructura y el hecho que el cuerpo del instrumento deba
ser necesariamente completado por los labios y el mentón del intérprete
para obtener el sonido, a la vez que demanda una gran habilidad y
experiencia, permite lograr también una gran variedad de matices
expresivos, obteniéndose así un sonido personal, según las
características anatómicas y la técnica del quenista, quien
prácticamente formará parte del instrumento. La quena puede estar en varias tonalidades siendo Sol Mayor la escala mas habitual.
Está presente desde los inicios de La Nueva Canción Chilena, lográndose
con el paso de los años un enorme desarrollo técnico-interpretativo del
instrumento.
QUENACHO:
Aerófono de origen quechua y/o aymara, perteneciente a la familia de la
QUENAS, pero de tamaño notablemente mayor que la descrita anteriormente
y por lo tanto de registro más grave. Generalmente el Quenacho esta
afinado en la tonalidad de Re Mayor y se diferencia del Lichiguayo que
esta en Sol Mayor (una octava más abajo que la Quena). En Chile el
Quenacho participa activamente en comunidades del área andina con motivo
de la celebración de Rituales y Fiestas religiosas. Particularmente
expresivo, cabe destacar la profundidad emotiva de sus notas graves que
caracterizan quizás el sentir de una etnia que sobrevive en su
ancestral cultura y en la riqueza de su arte.
TARKA: Aerófono,
OCARINA: Aerófono,
MOHSEÑO: Aerófono
de origen posiblemente post-colombino, más común en Bolivia y Perú. De
gran tamaño, alcanzando hasta aproximadamente 1,5 mts. de longitud,
permite obtener muy profundos y dulces sonidos. Construído de una gran
caña de bambú, su versión horizontal requiere además de otra más pequeña
adosada a un extremo, para conducir el aire desde la posición del
ejecutante hasta la escotadura donde se produce el sonido. El vertical
necesita de una embocadura para dirigir el aire al bisel. TRUTRUKA: Aerófono
de origen precolombino perteneciente a la familia de las trompetas,
confeccionado por un tubo recto de coligüe forrado en tripa de animal.
Mide entre 1 metro 50 cms. hasta 4 metros de longitud, abierto en ambos
extremos. Posee una boquilla superior cortada en bisel y en la inferior
se le fija un cuerno de vacuno que hace de pabellón amplificador. Actualmente se conocen ejemplares de cañería de cobre o p.v.c.(plástico), en forma circular forrado en lana, o descubierto. ZAMPOÑA: Aerófono
precolombino, construído con dos series de cañas (se fabrican también
en p.v.c. y metal) de distinto tamaño siguiendo un órden de acuerdo a su
longitudes correlativas. Cada serie constituye sólo "medio
instrumento", requiríendose generalmente la intervención de dos
instrumentistas para obtener cada melodía. Además de la necesaria
coordinación y destreza de los intérpretes, se precisa una gran
capacidad pulmonar y resistencia para su ejecución. En algunos lugares se les denomina TROPA a los grupos de intérpretes.. Recibe
en América diversos nombres, según sus variantes, algunos de los cuales
son: Pusa, Laca, Siku, Sikura, Antara, Coro y diferentes denominaciones
que corresponden a sus diferentes registros: Zanjas, Contras, Toyos,
Bajones o Bajunes, etc., cumpliendo doble función social: Ceremonial y
Festiva. Aparece también en forma independiente en Europa donde se le conoce como Flauta de Pan.
RONDADOR:
Instrumento perteneciente a la familia de la ZAMPOÑA, con la que
difiere en el órden de las distintas longitudes de las cañas y en que
posee una sola serie. Se asocia generalmente con el Andes ecuatoriano y
con él se interpreta un ritmo típico denominado SAN JUANITO.
PIFILKA: Aerófono
de origen precolombino, antiguamente fueron confeccionados de piedra, a
las cuales se les hacía uno o dos orificios abiertos en un extremo y
cerrado en el otro, actulamente se conocen ejemplares confeccionados en
madera tallada. Estas contienen uno o dos orificios redondos en algunos
casos con diferente diámetro, siendo más ancho en la parte superior y
más delgada en la parte inferior. Su sonido se produce al soplar por
el orificio abierto en forma vertical, produciendo una o más notas
(armónicos), dependiendo de la fuerza del soplido del ejecutante y/o del
tipo de Pifilka. Su área de expansión se encuentra en varias regiones
de latinoamerica (con diferentes formas), pero en esta área es exclusiva
de las comunidades mapuches que sobreviven en Chile y Argentina. No es un instrumento melódico ni solista, se ejecuta en grupos tocando Pifilkas de distintos tamaños
PUTUTO: Aerófono,
CORDÓFONOS
CHARANGO: Cordófono
post-colombino de origen quechua/aymara, confeccionado habitualmente
con una caparazón de quirquincho (armadillo americano), que cumple la
función de caja de resonancia, actualmente se construye mayoritariamente
en madera. Posee diez cuerdas plásticas agrupadas en cinco pares con las siguientes notas (de abajo a arriba): MI · LA · MI (una a la octava inferior) · DO · SOL
Se destaca en él una forma de ejecución de particular y atractiva
originalidad, cual es el uso de trémolos armónico-rítmicos, que se
realizan rasgueando velozmente sobre todas las cuerdas. Además permite
obtener melodías y una gran variedad de rasgueos y "redobles" que el
ejecutante combina de acuerdo a su destreza y su sentido estético.
RONROCO: Cordófono,
CHILLADOR: Cordófono,
es una guitarrilla muy semejante al charango, pero constituida
íntegramente de madera en su estructura básica, de caja acústica con
forma y proporciones como la guitarra, pero de tamaño muchísimo menor.
De uso más popular en Perú y norte andino chileno, puede tocárselo
punteado, como solista, y rasgueando, especialmente en el acompañamiento
de danzas regionales. Su sonido es agudo y penetrante pues generalmente
posee encordadura de metal.
MANDOLINA: Cordófono
de antiguo orígen europeo. Fue muy importante en el Norte de Chile,
especialmente en Tarapacá, Pica y Matilla, agrupado junto a otros
instrumentos de cuerda en conjuntos llamados estudiantinas o tunas,
desde fines del siglo XVIII Posee 8 cuerdas metálicas dispuestas en 4 pares con la misma afinación del violín:MI · LA · RE · SOL Se suele tocar con plectro o uñeta y en su interpretación, generalmente melódica, destaca el trémolo.
TIPLE: Cordófono,
de sonoridad brillante y de gran presencia, debido a su encordadura
metálica, distribuída en 4 órdenes de 3 cuerdas cada una y con afinación
duplicada a la octava inferior en la cuerda del medio. Su afinación es
la misma de las cuatro primeras cuerdas de la guitarra: MI · SI · SOL · RE
Popular en varios países latinoamericanos, aunque su origen y mayor
vigencia está en Colombia. Podría provenir de la antigua vihuela
europea, aún cuando la influencia de la guitarra es clara en su
estructura y órden general de afinación. Cumple principalmente funciones
melódicas y armónicas, aprovechándose así la gran resonancia de sus
cuerdas.
CUATRO VENEZOLANO: Cordófono,
CUATRO PUERTORRIQUEÑO: Cordófono,
GUITARRA: Cordófono,
el más difundido entre los instrumentos musicales en los países de
habla hispana y quizás uno de los de más larga superviviencia en el
mundo. De origen remoto, recibe el nombre del árabe Qitára, transcripción del griego Kithara.
Parece haber sido introducido en España por los árabes, donde se
popularizó, extendiéndose luego al resto de los países de Europa y a las
colonias americanas. Otra hipótesis le señala un origen grecorromano,
llegando de Occidente por vía latina. Es posible que de las dos citadas
procedencias se plasmara el instrumento que actualmente conocemos como
guitarra española. Aunque apropiada como instrumento de
acompañamiento para el canto y la danza, se le usa y se le ha usado como
instrumento solista. Presente en numerosas obras doctas, su popularidad
no ha decrecido, siendo el instrumento folklórico por excelencia.
BAJO ELÉCTRICO Steinberger: Cordófono,
construído por el norteamericano Ned Steinberger(1980) tiene un diseño
radicalmente diferente al de cualquier otra guitarra. El cuerpo se hace
con resina epoxídica molfdeada y reforzada con fibra de carbón y de
vidrio, un tipo de grafito (dos veces mas denso y diez veces mas rígido
que la madera, y mas resistente y ligero que el acero). Esto es un
plástico denso y fuerte, no de madera, a diferencia del bajo típico.
Esto le proporciona un tono claro y afinado que es amplificado por un
sistema electrónico, permitiéndole crear una extensa gama de sonidos.
BAJUELA MEXICANA: Cordófono,
MEMBRANÓFONOS BOMBO LEGÜERO: Membranófono
de procedencia argentina, su nombre proviene popularmente porque su
sonido se escuchaba a "legüas" de distancia. Construído de un tronco de
madera perforado de lado a lado a veces naturalmente, en sus extremos
hay dos parches generalmente de cuero de vacuno que son tensados por
cuerdas de cuero y dos aros de madera. Se toca percutiéndole con un mazo
y también golpeándolo lateralmente en el aro. KULTRÚN: Membranófono
Idiófono (timbal sonaja) de origen precolombino, compuesto por un
tronco ahuecado en forma de plato con una membrana tensada (de caballo,
vacuno u oveja), amarrada a la parte más ancha de la madera, con crin de
caballo trenzado. La membrana está pintada con dibujos simbólicos que
representan los puntos cardinales y los astros. En su interior se
encuentran elementos simbólicos mágicos como monedas de plata, plumas,
bolitas de cristal, pelo de animales, tierra del Este (punto cardinal
sagrado de los mapuches), etc. Instrumento privativo de la Machi
Chaman, (hombre o mujer), (intermediario entre Gnenechén, Dios supremo
de Mapuches y los hombres) en los ritos y ceremonias colectivas,
acompañando los cantos de curación y conjuros medicinales. Se
conocen dos tipos de Kultrún en Chile, de acuerdo a su forma: el Rali
Kultrún descrito anteriormente y el Kake Kultrún con dos membranas.
Su sonido se produce de dos maneras: al golpear la membrana con el mazo o
"Trepukulnue" y al sacudir el instrumento haciendo sonar los elementos
mágicos de su interior
BONGÓ: Membranófono
de origen cubano (hacia 1900), muy popular en latinoamerica esta
conformado por dos tambores de madera o fibra, uno mayor que el otro,
que poseen parches de cuero de cabra o plástico tensados a una distancia
de intervalo de cuarta o quinta. Debe su nombre al sonido que emiten y se pueden lograr diversos timbres utilizando combinaciones de golpes de dedos y manos.
IDIÓFONOS
CAJÓN PERUANO:
TROMPE: Idiófono
punteado de metal, consistente en una laminilla o lengüeta flexible
asegurada a un marco en forma de llave. Para su ejecución se ubica en la
boca con los labios entre abiertos, apoyado en los dientes y tomado con
los dedos de la mano izquierda. La laminilla se puntea con el dedo
índice de la mano derecha. Instrumento solista, tocado tanto por hombres como mujeres y está relacionado con el amor.
HUIRO: Idiófono
que se desarrolló en el Caribe, Panamá, Puerto Rico y Ecuador donde se
toca en la música popular y como acompañamiento de algunas danzas
tradicionales. Está construído de calabazas o madera, tienen
acanaladuras que son raspadas por una baqueta como ya en la prehistoria
se hacía utilizando huesos, palos y caparazones. También los hay de
metal y estos son raspados con unas baquetas semejantes a peines. Produce un sonido distintivo que enfatiza el ritmo. MARIMBA: Idiófono que proviene de África, traído por los esclavos que lo denominaban en lengua "bantú": objeto plano que sobresale.
Esta construído de barras de madera, generalmente de palisandro, con
resonadores y se toca con dos, tres y hasta cuatro mazos. Las placas
cortas suenan mas agudas que las largas y todas tienen un rebaje en su
parte posterior central, lo que les permite una riqueza y definición del
timbre.
En la música se observa con nitidez el fenómeno del mestizaje, es decir, el
cruzamiento, intercambio, adaptación e influencia recíproca de culturas
diferentes. Las barreras lingüísticas se sobrepasan o desaparecen.
Después que la aventura de Cristóbal Colón lo trajera a este continente (1492),
españoles y portugueses continuaron la guerra de conquista que se consumó a
principios de 1500. El paso siguiente fue la colonización y a mediados del mismo
siglo empezaron a arribar los esclavos africanos. Lengua, religión, sistema
económico, fueron impuestos por los colonizadores, pero el mestizaje y no
solamente de razas sino también cultural, no lo pudieron impedir por mucho
tiempo. El blanco se unió con la población natural (indio), el indio con el
negro y el negro con el blanco y con esta mezcla nació también una de las
músicas más ricas y originales del mundo.
Los indígenas tenían instrumentos musicales de viento (flauta, quena), los
europeos trajeron instrumentos de cuerda (guitarra) y los africanos instrumentos
de percusión (bongós, congas, timbales, maracas). Los elementos para el
desarrollo de una nueva música estaban listos. El hombre nuevo producto del
mestizaje sería el creador de lo que ahora llamamos música latinoamericana.
Los europeos y sus descendientes, los criollos, continuaron disfrutando por
algún tiempo con el minué, el vals y la polka. Los africanos por su parte, como
consecuencia de la esclavitud a que estaban sometidos, conservaron sus ritmos y
cantos espirituales en forma clandestina.
Los indígenas de origen maya adoptaron como propia, la marimba que había venido
con los esclavos africanos y la modificaron hasta construir el bello instrumento
de percusión que conocemos hoy y que podemos escuchar en México, Centroamérica y
algunos países sureños. A principios del siglo XX el cruzamiento de música
afroamericana y europea produce el jazz. En el sur nace el tango en el que se
combinan ritmos africanos y expresionismo argentino. El danzón, la rumba, el
mambo y el cha-cha-chá germinan en Cuba y se expanden por todo el continente. En
el Caribe muy pronto el calypso, la soca, el merengue y el reggae conquistan a
la gente con su frenético ritmo. Lo mismo sucede con la cumbia y el vallenato de
Colombia. El Perú nos ofrece marineras y todo un abanico de canciones románticas
que conocimos a principios del siglo XX a través de la cantautora Chabuca Granda
(1921-1983) ¿Recuerdan Fina Estampa, La Flor de la canela? Venezuela refleja la
vida del campo con Alma llanera, Caballo viejo, Moliendo café. México nos cuenta
su historia y sus amores y tristezas con sus canciones rancheras y los corridos
surgidos a principios del siglo XX con la Revolución Mexicana.
En los años 50 del siglo XX, la combinación de música folklórica y popular
urbana produce lo que se conoce como Nueva Canción Latinoamericana. En Chile
brilla la estrella Violeta Parra (Gracias a la vida). En Brasil junto con la
samba y el choro, surgen la bosanova y la corriente musical conocida como
Tropicalia. Los uruguayos, además de la milonga y gracias a las composiciones de
Alfredo Zitarrosa y Daniel Viglietti utilizan el recurso de la música para
exponer los conflictos sociales. Lo mismo sucede en Argentina con los cantantes
Mercedes Sosa y Atahualpa Yupanqui. En Nicaragua se populariza la música de los
hermanos Mejía Godoy. En Cuba emerge La Nueva Trova con Silvio Rodríguez y Pablo
Milanés como sus más conocidos representantes. Las naciones andinas (Perú,
Ecuador, Bolivia), enriquecen el panorama musical con sus grupos de baile y
música folklórica.
La creación musical latinoamericana no es solamente folklórica y popular,
incluye también música culta que se nutre de las corrientes mencionadas antes.
Algunos ejemplos: Agustín Barrios compositor y guitarrista paraguayo
(1885–1944), Silvestre Revueltas mexicano (1899-1940), los brasileños Luciano
Gallet (1893-1931) y Heitor Villa-Lobos (1887-1959), Eduardo Fabini uruguayo
(1882-1950), los cubanos Amadeo Roldán (1900-1939), Alejandro García Caturla
(1906-1940) y Leo Brower guitarrista y compositor (1939- ), los argentinos Astor
Piazzola (1921-1992) y Ariel Ramírez (1921- ).
